Agustín Fernández's programme notes

Danzas místicas

2010-08-19T10:25:00.000-07:00

Agustín Fernández

Danzas místicas

(2006)

i. pruebas de fuego

ii. claro de luna

iii. cambios de forma

En una frase muy citada de Octavio Paz, “el poeta no tiene biografía; su obra es su biografía”, se encuentra también la clave del funcionamiento de muchos compositores. Es difícil no experimentar el trabajo creativo como una especie de alquimia que convierte las experiencias de la vida real en música. Así lo experimento yo, y esta obra es un ejemplo claro.

El primer movimiento, titulado “pruebas de fuego” rescata ideas de mi obra Fuego (1987), llevándolas en una dirección muy distinta. El fuego de 1987 era opresivo y político, mientras que el fuego de Danzas místicas es un fuego que envuelve, prueba el temple, destruye lo débil y consagra lo fuerte, transforma y da energía.

El segundo movimiento, “claro de luna”, refleja musicalmente la luz ardiente y al mismo tiempo helada que arroja la luna sobre la noche, produciendo una quieta efervescencia de voces y presencias que casi siempre callan, pero cobran vida en luna llena.

“cambios de forma” se basa en transformaciones del material anterior. Con intención sinóptica, las ideas que primero fueron violentas y luego nocturnas, ahora se resumen, se comprimen y se reciclan con un carácter de celebración de la energía obtenida.

La obra fue encargada por Northern Sinfonia y estrenada por esa orquesta, bajo la dirección de Thomas Zehetmair, en el Festival de Huddersfield de 2006.

String Quartet No. 1, Montes'

2010-02-22T21:37:00.000-08:00

Agustín Fernández

String Quartet No 1, ‘Montes’

i. City of Silence

ii. Gate of the Moon

iii. Music and Land

This work is a musical tribute to the Bolivian painter Fernando Montes, who died in January 2007 in London. The quartet is in three movements, each addressing one of Montes’s paintings. In some cases the connection is structural, extracting ideas for the organisation of musical material from the layout of the images. In all three cases, the music is an exploration of expressive resonances perceived from the paintings, as well as a reflection on the shared aspects in the painter’s and the composer’s backgrounds.

Thus, ‘City of Silence’ evokes the hieratic starkness of the eponymous painting. ‘Gate of the Moon’ explores an idea suggested by the painting – where a silver light radiates from the centre outward – and builds on material from ‘mooncast’ from my Mystical Dances. ‘Music and Land’ takes Montes’s idea of two drummers and a piper to generate music that has some of the character of Andean pipes’ playing with percussive accompaniment.

The piece was first performed by the Momenta Quartet on 28 November 2007 at Rock Hall Auditorium, Philadelphia.

A to Z

2010-02-21T10:22:00.001-08:00

A to Z (2001-2002)

This is an ongoing cycle of small études exploring the technical and expressive possibilities of various combinations of flutes and guitars, played by two performers. The work is being written specially for Stefan Östersjö and Terje Thiwång. When they gave the first performance in Malmö in April 2001 there were four études. Today the series consists of nine, with transitional passages added to facilitates instrument changes. The first performance of this fuller version took place in Stockholm in 2005.

Wounded Angel

2010-02-21T10:21:00.000-08:00

Wounded Angel (1989)

The title is borrowed from that of a painting by the Finnish painter Hugo Simberg (1873-1917), in which two peasant children are depicted carrying an injured angel on a stretcher.

The music was conceived as a prelude to the picture, in which I attempt to explore the inexplicable: what happened just before the scene Simberg depicts? The end of the piece should be the start of the painting.

My Wounded Angel was realised at the studios of City University, London, and first performed – in an earlier version – by myself at the Stedelijk Museum, Amsterdam, in 1989. It is available in two recordings: by myself on NMC (Mixed), and by Stefan Östersjö on dB (Playtime)

Peregrine

2010-02-14T13:55:00.000-08:00

Programme note 1

Agustín Fernández: Peregrine

The title refers to a number of different things: to a falcon, to something outlandish, to a literal translation of the Spanish for ‘pilgrim’ (peregrino), and hence to a poem by the Bolivian poet Ricardo Jaimes Freire: Peregrina paloma imaginaria (literally ‘peregrine imaginary dove’, but the main thing here is the rhythm formed by the words in Spanish). The lone, high-flying predator, often a condor or an eagle, is a recurrent theme in Bolivian folklore. So is the dove as a symbol of gentleness and love. What happens when the two meet? This musical exploration tests the extent to which lightness of texture can survive an accumulation of rhythmic impetus.

Peregrine was commissioned by Joel Sachs for the New Juilliard Ensemble, who gave the first performance at Lincoln Center in December 1996. The Tyneside ensemble Vaganza performed it in 1997 conducted by Ilan Volkov. The current version is an extensive revision prepared for a repeat performance at Lincoln Center in November 2005.

© Agustín Fernández

Programme note 2

Agustín Fernández: Peregrine

There are different possible meanings to the above title; any of them is appropriate to the piece. You can picture a predatory bird soaring through the skies and searching for prey. You can visualise the ruthless hunter swooping down on an innocent lamb. In the lyrics of some folksongs I heard in childhood, the high-flying bird is a spy, commissioned to come back and tell you what the person you desire gets up to when you cannot see them. Or you can think of a pilgrimage from place to place, or from rock to mountain. While admitting of these associations, this piece of music deals specifically with flight, the kinetic phenomenon. The prowess of defying gravity to take off and ascend, the gathering of momentum in the air, the calm confidence of gliding with motionless wings, and above all the exhilarating daredevilry of seeing how low it is possible to go without coming crashing down.

Peregrine was commissioned by Joel Sachs for the New Juilliard Ensemble, who gave the first performance at Lincoln Center in December 1996. The Tyneside ensemble Vaganza performed it in 1997 conducted by Ilan Volkov. The current version is an extensive revision prepared for a repeat performance at Lincoln Center in November 2005.

© Agustín Fernández

Danza de la loma

2009-03-28T07:02:00.000-07:00

1986

Duración: 11 minutos

Compuse esta pieza a pedido de la orquesta de Guildhall School of Music and Drama de Londres en 1986, cuando yo iniciaba un doctorado en la universidad City de la misma ciudad. Después de su estreno, bajo el título inicial de Just a Dance (or Two) la hube de revisar y modificar radicalmente y en su nueva versión, con nuevo título, la han ejecutado el grupo Anemone de York, la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Orquesta de Ulster y la Orquesta de Cadaqués. Aunque en este último caso el concierto era del Ensemble de Vientos de dicha orquesta, para mí el concepto de la obra es esencialmente orquestal, de ahí el subtítulo “para orquesta sin cuerdas”.

El objetivo principal era el de crear música que expresara con colores vívidos el ambiente semi-rural en el que me crié, en Cochabamba, el valle central de Bolivia. Hoy en día Cochabamba es una urbe de carácter eminentemente citadino; cuando yo crecía en ella en los años sesenta y comienzos de los setenta su metabolismo alimentado por el campo era evidente en todos los aspectos, dándole un sabor rural. Yo quería que la música tuviera algo de la cualidad inmediata, tangible y física que tuvo para mí ese entorno, y que de la música se desprendieran los olores, colores y sudores de la tierra, como lo han conseguido pocos hasta ahora, como Stravinsky en La consagración de la primavera. Por supuesto que mi pieza está construida en menor escala – una estructura de once minutos y no un ballet completo – por eso me pareció importante llamarla Danza de la loma; “montaña” habría sido excesivo para esta modesta duración. Además, el término “loma” se presta mejor para describir un ascenso lento y un descenso rápido, que es la estructura que articula Danza de la loma.

La modalidad es la de una doble danza, en la que la orquesta se separa en dos mitades, cada una de las cuales ejecuta su propia danza y se atiene a ella a todo trance, avanzando gradualmente hacia su clímax. En la versión original la simultaneidad de las dos danzas era constante y el clímax era simultáneo, mientras que en Danza de la loma las danzas muchas veces alternan para poder registrarse en la percepción del oyente, y a medida que se acercan a su clímax requieren de toda la orquesta para conseguir la intensidad necesaria, forzando así una alternación por razones de orquestación.

Trío (en castellano)

2007-07-07T05:15:00.000-07:00

Agustín Fernández
Trío

i. Preludio con vaticinios
ii. Nana con despedida
iii. Final con campanas

Esta obra ha sido compuesta especialmente para el Trío Apolo, a quienes está dedicada y quienes la han encargado con el apoyo de la Fundación Arnoldo Schwimmer. Fue completada en febrero de 2003 y estrenada en septiembre del mismo año en el Teatro Achá. Posteriormente fue ejecutada varias veces por el mismo Trío Apolo en Bolivia, por el Trío Cuckson/Gross/Fisher en el festival Summergarden de Nueva York en julio de 2006 y por miembros de Northern Sinfonia en marzo de 2007.

El primer movimiento presenta una idea breve y recurrente que en cada aparición provoca una secuela distinta, a la manera de una profecía que se cumple por el hecho de haber sido proferida.

En los otros dos movimientos empiezan a surgir, como sobrevivientes de historias pasadas, ideas de obras anteriores. Esto se debe a las condiciones en las que fue compuesto el Trío. Por ejemplo, reflexionar sobre una partida en “Nana con despedida” me hizo recordar un momento equivalente de mi colección de piezas para charango y flauta A to Z, escrita un año atrás. Del mismo modo, cuando yo trabajaba en el tercer movimiento de este Trío al mismo tiempo se preparaba la guerra contra Irak, tema que invadía las conversaciones y preocupaciones de muchos, y este compositor no era la excepción. Recordé haber tratado el tema de preparativos bélicos en mi ópera La rueda, y quise volver a elaborar material de una escena en la que el héroe bufonesco se jacta de sus recién aprendidas tácticas de guerra, que él ya considera invencibles. Cerca del final, el cello evoca una frase de otra obra mía, Acercándose a Melmoth, en la que el barítono arremete contra una humanidad que permite que haya niños hambrientos: Hombres, hombres, ¿qué es lo que persiguen? ¿qué es lo que les apasiona?

Las exigencias texturales del tercer movimiento – que obligan a los instrumentistas a producir sonoridades inusualmente densas – me han sugerido la idea de arreglar el Trío para orquesta de cuerdas y piano. La obra resultante se titula Una música escondida y fue estrenada en Inglaterra en mayo de 2004 por Northern Sinfonia.

Mystical Dances (in English)

2007-04-12T09:26:00.000-07:00

Agustín Fernández
Mystical Dances
(2006)

i. ordelfire
ii. mooncast
iii. shapeshift

In a much-quoted phrase, Octavio Paz wrote: “the poet has no biography - his work is his biography”. I think of that when I find myself attempting an alchemy where personal experiences become music, and new pieces pick up the thread of previous ones like new chapters of the same novel. Mystical Dances charts some of the processes unleashed by encounters with mysterious forces, voices and presences experienced in rural Northumberland, so radically different and yet in some respects so eerily similar to my native Bolivia. On a more personal level, it has to do with a once-in-a-lifetime change of direction in pursuit of a truer self and a truer other.

The work is in three movements, following the age-old lively/slow/lively pattern. ‘ordelfire’ develops ideas associated with burning, first explored in my work Fuego of 1987, but taking them in a totally different direction. If the intention then was to explore fire as destructive violence, now the fire is a force that engulfs, cleanses, transforms and gives energy. The second movement, titled ‘mooncast’, tries to depict the burning light cast by the full moon over the hills of Northumberland. ‘shapeshift’ was titled before it existed, and once written its title proved its fate, as the music had to be re-written since the first performance. It deals with mutations of the preceding material, which in turn adopt ever new guises.

Mystical Dances was commissioned by Northern Sinfonia, who gave the first performance at the Huddersfield Festival in 2006. It was performed again by the same orchestra conducted by Alexander Shelley in August 2007 at The Sage Gateshead .

© Agustín Fernández 2007

Fuego (in English)

2007-04-12T06:02:00.000-07:00

Agustín Fernández
Fuego
(1987)

The title of this work refers to an utterly unromantic kind of fire: the fire that, on 2 July 1986, burned two Chilean students outside Santiago. It was a man-made fire, resulting from soldiers pouring kerosene and deliberately setting the youngsters alight. This was, it seems, some kind of exemplary punishment Pinochet’s people had wanted to impart; for this purpose, they picked their two victims apparently at random from a dispersing crowd during a national strike.

Fire had been a pervasive element of Chilean life during this period. The presidential palace had burned as Pinochet came to power, civil rights campaigner Sebastián Acevedo had burned himself alive in protest at Pinochet’s atrocities, and candles had been lit in the streets at night to commemorate the dead in the mid-1980s.

In 1987 this piece was a protest too, as well as a threnody for the dead and a eulogy for the courage of those Chileans who, in the face of real danger, revolted on. But also, I confess, Fuego is an expression of fascination, of hipnosis at this strange recurrence of fire. The changing guises of fire in different situations suggested the structure: a theme and seven variations.

Fuego was commissioned by the Orchestra of the Metropolitan Cathedral of Christ the King, Liverpool, and it was first performed by them under James Wishart, at the Cathedral, on 23 May 1987. It is dedicated to the two victims, Rodrigo Rojas de Negri and Carmen Gloria Quintana.

© Agustín Fernández

Fuego (en castellano)

2007-04-12T05:59:00.000-07:00

Agustín Fernández
Fuego
(1987)

El título de esta obra se refiere a un tipo nada romántico de fuego: el fuego que el 2 de julio de 1986 quemó a dos estudiantes chilenos en las afueras de Santiago. No fue un fuego accidental, sino hecho a propósito, cuando soldados de Pinochet usaron queroseno y fósforos con la intención de quemar a los dos jóvenes. Según parece, se trataba de una suerte de castigo ejemplar que las Fuerzas Armadas chilenas habían querido imponer, y con tal motivo habían escogido a sus víctimas más o menos al azar, cuando dispersaban a una manifestación durante una huelga general.

El fuego es un elemento que adquirió un poder simbólico en la vida chilena de este periodo. La casa presidencial (La Moneda) ardió cuando Pinochet subió al poder. El activista Sebastián Acevedo se prendió fuego en protesta por las atrocidades del régimen. La población solía encender velas de noche en memoria de los muertos incontables.

En 1987 esta pieza fue también una protesta, además de un treno por los muertos y un elogio al coraje de los muchos chilenos que, de cara al peligro de muerte, se rebelaron. Pero esta música es también, lo confieso, una expresión de fascinación, de hipnosis ante esa extraña recurrencia del fuego. Las mutaciones del fuego en distintas situaciones me dictó la forma: un tema y siete variaciones.

Fuego fue escrita por encargo de la Orquesta de la Catedral Metroplitana de Cristo Rey, Liverpool, y fue estrenada por esa orquesta bajo la dirección de James Wishart, en la Catedral, el 23 de mayo de 1987. La pieza está dedicada a las dos víctimas, Rodrigo Rojas de Negri y Carmen Gloria Quintana.

© Agustín Fernández